FemTumYum

フライングステージ公演

フライングステージの「約束」を見てきた。

実は知人に前から「この劇団面白いから見に行きましょう」とお誘いをいただいていたのだけれども、いつも他の用事と重なってしまって、今回が、FS初体験。

春に見たピンク・トライアングルの「アイノ星空」はかなりストレートな主張のある公演で、一つのアイデンティティを押し出した劇団のパフォーマンスとして、それはそれで勇気のある、そして有効な方法だったけれど、そのあたりFSがどう対処しているのかに、興味もあった。

FSのこれまでの公演を見ていないので今回のステージに限定して話をすると、主張を前面に押し出すタイプのお芝居ではなくて、人物を丁寧に書き込んで、少しずつ違う立場の人物相互の会話を中心とするやり取りによってストーリーを進めていくという点で、むしろウェル・メイド・プレイ風のお芝居だった。勿論、それなりに主張もあり、幾つかの問題も提起されたりするのだけれども、それはかなり控えめで、突っ込んで展開されていくわけではない。そういう主張なり問題提起なりに殆ど気づくことなく（あるいは気が付いてもそこで考え込むことなく）お話として楽しんでいくことが十分に可能なような、テレビの単発ドラマとして書き直しても成立しちゃうんじゃないかと思えるような、そんな風情のお芝居。

で、私はとても楽しめた。登場人物はゲイ男性が４人、女性（セクシュアリティは不明だけれど、ヘテロ設定かな）が３人、ヘテロ男性が１人。場面設定が「メール系出会いサイト運営会社」だということも含めて、そこら辺が「普通の」恋愛ドラマとは多少違いがあるし、女性やヘテロ男性に対するものも含めた登場人物に対する脚本の視線がやわらかいので、「普通の」ドラマよりもかえって嫌な引っかかりなく物語についていける。それでいて無意味に「みんな同じ人間なんだね」風味ではなく、たとえば中心となるゲイ男性のカップルがヘテロのカップルだったりヘテロ男性がヘテロ女性だったりしたら同じ物語にはならない程度に、それぞれの立ち位置がきちんと物語において意味を持っている点も、私は好きだった。

「メール系出会いサイト運営会社」でサクラとして「女性」の書き込みをするのが仕事、という設定なので、様々な出来事の底流で、性的対象としてのヴァーチャルな女性の構築が絶えず行われていることになる。この「女性」の構築性というテーマはそれ以上展開も追及もされず、そこがもったいないといえば勿体なくもあるのだけれども、同時に、それが殆ど当然の了解として話が進むあたりが新鮮でもある（たとえばこの「ネカマの仕事」には女性スタッフも従事しているのだけれども、その女性スタッフの女性身体が「ネカマ」をただの「サクラ」に変えることはなく、サイトに登場するヴァーチャルな女性達を作り出すスタッフ達が男女を問わず「プロのネカマ」であるという認識は、登場人物たちによってまったく異論をさしはさまれることなく、何度も繰り返し表明される）。このテーマと並行して、サイトを通じて知り合った（ヘテロ）男性と結局はデートができずに終わるゲイ男性スタッフの話や、男性の性的なアプローチに身体的な拒絶反応を示してしまう女性スタッフの話などが投げ込まれて、「ジェンダーなんて構築物であってヴァーチャルに操作できるものに過ぎないね！」といった安易な方向へと芝居の気分が向かうのを食い止め、「限界としての身体性」という他者性のリアルな感覚を提示してもいる。この両者の感覚にどう折り合いをつけるのかというところまで今回の公演で追及していればもっと面白いと私は思うのだけれども、まあ、そういうことを主眼とした芝居ではないということなのだろう。

難点を探すとすれば、女性の登場人物の扱い方だろうか。女性の登場人物が男性の中心的人物とくらべるといかにも「お芝居の流れ上こういうキャラが必要でした」といった感じなのは、まあ、脇役であるから仕方ないとして、女性の一人が彼女のセクシュアリティ（男性の性的なアプローチに身体的嫌悪感、あるいは恐怖感を抱き、出会いサイトを通じて会う約束をした男性をこっそり観察に行くことで、その嫌悪なり恐怖なりに対応している）の起源を「父親の暴力」として語る件は、少し唐突な感がある。「普通の」ゲイ男性従業員は言うまでもなく、メール系出会いサイトにはまった経験のあるヘテロ男性従業員についても、彼のそういうセクシュアリティの起源は一切問題とされないのに、「普通の」ヘテロ女性とは違うこの女性従業員の性的な振る舞いのみがある種の釈明なり言い訳なりを要求されるのは、少し残念。

まあ、でも全体としてはとても面白く拝見いたしました。開演30分以上前に「開演前にトイレに行っとけ！」と告知するのはちょっとびっくりしたけど。あれは、もしかしてこの劇団の内輪ジョークとか、特有なユーモアとかなのかしら？

世界は歪んでいるし、「私」は完全には存在していない

オースターをアタマの中でブンブンと響かせながら、東京都写真美術館の「世界は歪んでいる--Supernatural Artificial」展に行ってきました。実は余り期待していなかったのだったけれども、思いがけない収穫。

余り期待していなかったと言ってもきちんとした理由があるわけではなくて、これがオーストラリアの作家だからなのだけれども。オーストラリアの「作家」に恨みがあるわけではないけれど、オーストラリアそのものに何か良い印象が余りないのよ。多分、大学で「アボリジニの首を切ってフットボールにして遊んだ記録（昔の話ですけれどもね）」を読まされたり、友人から「今でも＜白い＞白人は移住しやすいけれども＜黒い＞白人（南欧系）は移住しにくいってもっぱら評判だよ」と聞かされたりしたことが、ちょっぴり尾を引いているのではないかと。それから、とても善意に満ち溢れた、けれど同時にコロニアルな偏見にも満ち溢れたオーストラリア人の研究者を、ちょこちょこと知っていることとか。もちろん、そんな人ばかりじゃありませんが。でも、あの国って自分たちが「白い」という理由だけで＜アジアの盟主＞を狙っちゃあいないかい？と思ったり思わなかったり＜ただの偏見。

で、「世界は歪んでいる」展。

８人の現代作家の展覧会で、バックグラウンド知識が皆無な私には、もう少し一人一人の作家について説明が欲しかった。シリーズ作品の中の何作かが展示されているものが多くて、そういう場合、本当はシリーズ全作品を展示して欲しいけれども、それが無理でもせめてそのシリーズについての大まかな説明があると嬉しい。単品を鑑賞して抱く「感想」とか「印象」というものだけでは収まりきらない、何らかの明確な意図や思想をコミュニケートしようとしているらしい作家ばかりだったから、なおさら。

初日（７月１７日）にはレクチャーもあったらしくて、それに出ていれば良かったのだろうけれども、あの頃全然時間なかったし（泣き言）。

私がとりわけ好きだったのは、ダレン・シルヴェスタ、ダレン・シーヴェス（あら、似たような名前ね）、そしてモニカ・ティカチェック。

ダレン・シルヴェスタの作品は、映画のスチール写真か良く出来た広告写真のようで、その点ではちょっとシンディ・シャーマンを思わせる。けれども、シャーマンの白黒のスチル写真が、異なるコンテクストで、しかし常に同一の「彼女」を写し続けることによって、つまり一枚一枚の写真を並べたときにそこに写っている「同じ女性」の「あいだ」に存在する連続性（あるいはその欠落）によって、「映画のスチールとしての外見」への微妙な違和感を私たちに呼び起こすとしたら、シルヴェスタのグロッシーなカラー作品は、その一枚一枚が既に何らかの違和感を内包している。どこかで見たような構図、どこかで知っていたような景色、その一つ一つが間違いなくリアルに構成されているのだけれども、その「リアルな構成ぶり」の人工性も同時に明確に示されていて、そこから生まれてくる一種の居心地の悪さが、不安と欲望をかきたてる。或いはより正確に言えば、テレビや映画や広告媒体によってかきたてられるべき欲望がそれと類似した構図とテクスチャーを持つこれらの作品からは引き出せないことへの不安と、その喪われた欲望に対する、ノスタルジックで、充足されることへの期待を放棄した欲望とを、喚起する。そういうところが（どういうところなんだか）、ちょっとSCI-FIちっく。

ダレン・シーヴェスは、アボリジニーのアーチストだそうで（アボリジニーというのか、indigenousというのかどちらなのだろう）、非現実的な光に照らされた街角に半透明の人物がたたずむ作品がいくつか出品されていた。私は「アボリジニーの外見」を自信を持って判別できないのだが、後で調べたところでは、この人物たちは作家とそのパートナーなのだそうで、だとすれば明白にポストコロニアルなアイデンティティを扱った作品ということだろう。＜西洋風の＞洋服を着て街角にたたずむ半透明の人物たちは、作品によって少しずつその「透け具合」が違っている。オーストラリアという土地にもともと住んでいたという「オリジナリティ」の強調ではなく、あくまでもその土地に「移植された」文化から生じ、その中に生きている、しかしその文化を全面的に自分のものとして主張する力を与えられていない、存在。後から「移植された」はずの西洋風の街角からその「下」にある「もともとの」アボリジニーの文化が透けて見えるのではなく、移植された文化こそが確固とした物理的存在感を持ち、その「上に」ポストコロニアルなアイデンティティが半透明にただようという構成は、理論的な観点からだけではなく感覚としても鮮烈に共感。「根を下す」ことのない、あるいはそのための土壌を奪われた、存在。

そして、モニカ・ティカチェック。わたくし的には、シャーマンやOrlanにつながる系統で、お仕事上のツボ。ビデオ作品の一部がここの小窓で見られます（っていうか、見る人もいないかもだけど、自分の覚書として書いておく）。



このサイトの解説にあるとおり、ティカチェックは、人工的で、もともと自分のものではないような「女性性」（もしかするとこれは「アイデンティティ」全般に拡大できるのかもしれないけれども、ジェンダー・アイデンティティについて語るだけでも一般化しすぎているきらいがあるので、ちょっとその衝動は抑圧しておきます）と、それでもその人工的なアイデンティティを通過せずには成立しない「自分」という存在をめぐる混乱した痛みや願望や欲望とを、前景化する。「自分」を構成するための不自然な回路がその不自然さや他者性にもかかわらず喚起する憧れや欲望があり、同時に、その憧れや欲望の対象が「自分」という存在を可能にするために不可欠であるにもかかわらず、それは自分と「つながっている」ものであり、すなわち決して「自分自身」にはなり得ないものだ（「自分とつながっているもの」は、その定義からして決して「自分」ではないから）、という事実のもたらす無力感がある。その不可能な憧れの痛みと、その構造の再演を通じてこの苦痛に対処しようとする作家の勇気とに、わたしは惹きつけられる。私がそもそもフェミ理論をいじくりまわさなくてはならなかった理由も、これだったはず。なんだか日々の雑事に取りまぎれて忘れそうになっていたけれども。

写真美術館に、感謝。ついでに、ティカチェックの個展やってください。お願いします（小声で）。

eminemってよりはBeastieBoysの感じ

雑誌にインタビュー記事が出ていたのをお風呂で読んでいて、あ”～～。
これってツボだわ。目がうるんでるんぢゃないのよ、お風呂の湯気でコンタクトが曇ってるの（装着したままお風呂はよくありません）。



　　　## We learned about compromise-- which is a huge, huge thing for three strong women with big personalities to learn. For all the disagreements we have, we really are each other's champions, so whatever disagreements we have within the group, my loyalty is to these girls and not to anybody else, and I know that they feel the same way. We're able to be a united front even when we're not a united font.

最近音楽も聴かなくなってしまって全然知らなかったのだけれども、これはツボ。Northern Stateといって、ニューヨーク出身の女性三人のロック・ラップクロスオーバー風なグループらしい。しかし、音はともかく、発言はツボ。私たちのことをWemen's Liberation Hip-Hop Bandと呼んでくれてもいいよん！などといってるのも、ツボ。でも、何よりも、上の発言が、ツボ。

ええ、わたくし、テルマ＆ルイーズを何度見ても、「今回はもう負けないぞ！」と決意をかたくしていても、ラストで必ず敗北して、うっく～、と鼻水すする人間でございます。要はうらやましいんですけれどもね。直球である意味シンプルなソリダリティの主張。

とりあえず聞いてみたのですが、なんとなく出来不出来はあるような気がするものの、しかも歌詞が完全には聞き取れないものの（ラップ鑑賞には致命的）、悪くはないかも。とりわけDying in Stereoは良い感じです。白人ラップと言っても、音からしてもエミネムっていうよりビースティーっぽくない？よく知らないけど。

ええと、大負けしたので、一応CDを注文。これで真剣に歌詞を聞いたら最高に退屈だったりすると、悲しいですけれど。普通に退屈な程度までなら、応援します。

ピナ・バウシュ公演

熱をおして、これもオシゴトのうちと思って（というよりチケット代高かったから勿体ないし、という理由がメインだったり）、見てきました。ピナ・バウシュの「バンドネオン」。

実はこれが初ぴなばうしゅで、うわさは聞くものの今まではそうそうお金がなかったりもして（言い訳）見ていなかったので、どうやら有名であるらしい演目の再演であるらしいということで、新作ではなくてこちらを選択。

とにかく長い。で、ダンスなので詳しく説明するボキャブラリーもなし、説明できる気持ちもしないのだけれど、前半は「わたくしにはダンスは無理です。わかりません（涙）」という絶望とやけっぱちと退屈と眠気とに交互に襲われ続ける。ところが後半になったらそこそこに面白い。少なくとも「バジャイナ・モノローグス」よりは140倍以上、良い。そんな比較をすること自体、全国と世界のピナ・バウシュファンからウェブ越しに重めで固めのモノを手当たり次第投げつけられそうだけれど。

で、ダンスというのは全然分かりませんということをとりあえず表明した上で。

「バンドネオン」を見終わって、私は、これが何についてのダンスなのかちょっとだけ分かった、と思ったのだ。

見ている側が絶望するくらいの遅い速度で延々と繰り返されるタンゴ風のダンス。いわゆる「情熱」とかその「噴出」だとかを意図的に封印するような、無表情で型にはまった、愛の動き。「ダンス」なるものを成立させるための「型の習得」と「身体の変形」の必要性が、つまり、身体からあふれ出てくるはずの「感情表現」とは実は不自然な「型」として暴力的に「習得」されているのだということが強調され、パフォーマンス」へのオベーションとそれに対する反応すら、何の感情も感慨もない一つの身体的なコンベンション（因習）として前景化される。そして、「感情の表現」であるはずのそれらの幾つものコンベンションの裏に響き渡る苦痛と絶望の叫び声に対する、完全な無関心と抑圧。

私には、このダンスは、「ダンス」、「パフォーマンス」、あるいはより広く身体表現全般を成立させている制度性に焦点をあてたものだと思えたのだった。ここでの「身体表現」には、たとえば愛の身振り、たとえば称賛や羞恥の身振りと言った、私たちの日常生活を構成している「みぶり」全般が入ってくるだろうし、さらには、それらの身振りによって伝達されているはずの私たちの「感情」そのものが、問題になってくるだろう。そもそも「表現」という用語が選択されること自体が、「表現されるべきこと」の存在をこっそりと前提として共有させるための罠であって、このダンスで執拗に強調されていることの一つは、そのような「表現されるべきこと」が、そもそも身体を暴力的につくりあげていくコンベンションによってのみ、生み出されうるということだ。

そのようなコンベンションを破壊するのではなくて、それに従いつつ（結局のところ、これは「ダンス」であり、しかもかなり高額な入場料を支払わなくては見られない「ダンス」なのだ）、そこに一種の亀裂を生じさせる。まぁ、なんて「ぽすともだーん」なの！

実際に、これがあくまで「ダンス」であるからこそ、「ダンス」というコンベンションの制度性がひたすらに明らかにされていく過程で、私たちはこの特定の制度を維持させるための苦痛にたじろぎ、観客としての自らの共犯性に居心地の悪い思いをし、そしてラストで拍手を送る自らの能天気さに一瞬ためらいを覚えるのであり、身体のコンベンションのもたらす苦痛をこっそりと連れ帰って、自分たちの経験においてその苦痛の呼びかけに応える「何か」の存在に、おそるおそる触れてみたりしないではいられない。

コンベンションなんてくそ食らえというのではなく、コンベンションしかないことを重ねて確認しつづける、その痛みと哀しみの強度。そしてその痛みと哀しみを手放さないことがもたらす、コンベンションへのひそやかな不服従。

さらに、男性ダンサーと女性ダンサーとの「痛み」の表明が明らかに異なること、振り当てられた役割の違いなどもあって、この、性と身体と身振りをめぐるコンベンションにジェンダーの差異が作用していることも示唆されていたのだけれど、フェミとしては非常に情けないことに、私はこちらは明確に分析することができなかった。

でも、何のかのと言いつつ、長いだの眠いだのと文句たれつつ、わたくしはすっかり好きだったのだ。「バンドネオン」。もちろん、こういう「分析」で全てだという言うわけではないし、それだけだったら論文でも読むほうが早いのだけれども、実際に、そのあたりでちょっと落ち着かないというのか、心の痛む鑑賞経験をして、さすがに評価が高いパフォーマンスには、素人でも心がゆれるものであるなあ、などと思っていたのだ。

ところが。

お家に帰ってちょっとウェブを見てみたりとか、思わず買ってしまったパンフレットを眺めたりした結果、分かったこと。

「バンドネオン」は全然そういうダンスではないらしい（泣。

　　＃＃抑えきれない官能の爆発が見たことのないタンゴとなり、バンドネオンが人の心をかきむしり、人生の喜びと悲しみの波が立ち現れます。タンゴを踊りに集まった人々のまわりに悲しみと嘆きが湧き起こり、愛の渇望が異様にデフォルメされ、タンゴの情念が身体を貫通する舞台です。視覚的にも強力なものであり、手の動きや、腕に宿る力を見るだけでもすばらしい作品です。


　　＃＃タンゴを座って踊り、パートナー達は孤独とあこがれを含んだ親密な関係を表現する。女性は男性の曲げた腕にまたがり魔法にかけられたように男性の腰にまとわりつき、死に物狂いにつかまり運ばれるままにまかす。欲望が満たされ、快楽はきわまり悲しみを生むことになる。

「抑えきれない官能の爆発」なのかい！
「渇望」や「情念」なのかい！
「欲望と快楽」なのかい！

私は一体なんのダンスを見ていたのでしょうか！

結論：わたくしには全然ダンスはわかりません。というより、それだけのダンスだったら、正直に言って見に行かなくても良いかも。

vagina monologues続き

quastさん、Macskaさん、コメントありがとうございます。コメント欄に書こうかとも思ったんですが、なんとなくこちらで続きを。

vaginaは、おまんこと訳されることもあったかな。基本的にはcuntがおまんこという訳語だったと思いますが、英語の脚本を覚えているわけではないので、ちょっと曖昧です。

日本ではvagina monologues自体を「おまんこの独白」という訳語で宣伝している人々もいたようですが、私は、やはりおまんこというのはcuntに近いのではないかなと思っています。vaginaと言う方が、微妙にポルノちっくなような、微妙に「公的」な用語のような、微妙になじまないような、そういうニュアンスがあるような気がする。その意味では「ヴァギナ」あるいは「膣」で良いかと。

もちろん、そこで原作に忠実である必要はない、というスタンスも、当然ありえるとは思いますが。

ただ、Macskaさんのおっしゃるように、ヴァジャイナと言ったからって何なの？という感じはあって、でもそれだけで衝撃的な人もいるのね、で、そういう人のためのお芝居なのね、という部分を、よくも悪くもはっきりさせてくれるのは、「ヴァギナ」あるいは「膣」という訳語のような。

ちなみに、私の友人（英国人ですが）が、vaginaは膣のことだけをさすのに対して、cuntは膣に限定されない性器全体を指すんだ、だから自分にはcuntが大事なんだと言っていたことがある。この解釈は個人的なものなんだろうか、それともわりあい共有されているんだろうか。で、その流れで行くと、おまんこっていうのは、どちらにあたるんでしょう？

あ、とはいえ、個人的には私は「おまんこ」と連呼すればじゃあいいのかというと、それも別に何なの？という気がするほうです。なんというのか、蔑称のポジティブな盗用という戦略は理解できないではないのですが、おまんこという用語（あるいは身体部位）を「取り返す」ということ自体に、個人的にはそれほど魅力を感じていません。

取り返したいという人は取り返してくれればいいとは思うんだけれど、Macskaさんがあげてくれたような問題を続々生み出してまで取り返す必要は感じない。

で、蔑称の再盗用(re-appropriation)と言うときに、たとえば「クィア」の場合、少なくとも原理的には「ストレート」との関係性においてしか成立しない言葉なわけで、排除的に作用しにくい、もっと言ってしまえば、「ストレート」と「クィア」という概念区分そのものを無効にしてしまう機能を持っている、とされる（実際にそううまく機能しているわけではない、という話は今は置いておくとして）。

これに対して、「おまんこ」でも「ヴァジャイナ」でもいいけれども、それを再盗用するとすると、どうしても解剖学的な身体部位に直結してしまう部分がある。そのこと自体はかまわないのだけれど、それだけを強調して「共感」を作り出そうとすると、確かに共感できてすっきりする部分もあるかも知れない（私は、そういう部分も、確か感じたし。少なくともロンドン公演では）。その反面で、「共感」というのはやっぱり怖いものなわけで、「おまんこ」を共感の根っこに据えてしまうためには、「どの」おまんこなのか、「どういう」おまんこなのか、そういうことは二次的な問題にせざるを得ない。それはつまり、特定の、声の大きな、あるいは力のある社会的集団の性器こそが「おまんこ」として正当化されてしまうということで、そういう風に排除的に働くのだったら困ると、私は思うわけです。

なんか教科書みたいな感想で申し訳ないんだけれども、でも、そう思うですよ、本当に。
余りおまんこっていう部位を使わない（使いたいととりわけ思わない）人間としては、特に。

で、そこら辺がやっぱり一番ちょっと怖い形で機能しちゃってるのが、Macskaさんの指摘にあったインターセックスの部分で、そこは私もかなり気になりました。娘に対して、「世界で一番のデザイナーズ・まんこを作ってやる」という父親の話が、あれは、皮肉としてあげられているんですかねえ？そこらへんはかなり不鮮明なんですが、とにかく「ヴァギナ」の話で共感をつくりだそうとしている以上、「オンナノコ」には「ヴァギナ」が必要になってしまうという構造が（それを批判しているにせよ・・あまりそうは感じられなかったけれども・・、当然だと思っているにせよ）、どうしたって出てきちゃうということを、あのエピソードは露呈しているような気がします。

で、「世界でもっともあったら怖い（笑）」ですが、いや～楽しそうですね。でもね、私、このブログ見てもらってお分かりのように、全然文章センスないんです。面白いこととかかけないし。自分で嫌になるくらい教条的だし。見ていて「教条的だなあ」というのがぷんぷんにおってきてしまう部分があるとかえって逆効果なのは間違いないので、お誘いいただいてとってもうれしいんですけれども、出来上がりを楽しみに待つ方に専念します。なんていうのか、出来ることをやるっていう意味で、やりたいけれども出来ないってわかっていることをやるのは、違うかな、と。

ヴァジャイナ・モノローグス

ヴァジャイナ・モノローグスを観てきました。

ロンドンで観たとき、脚本としては問題もかなりあるし、間違いなく単品ストレートで批評論文の素材にはならないものの、それなりに場の一体感もあってすっきり楽しめたこのお芝居。日本版公演を見ようかなと考えたのは、基本的には翻訳の問題に興味があったから。

まず第一に、非常に単純なコトバのレベル。vaginaをどう訳すだろうとか（まあ、これはヴァギナかなと思ったけど、膣と訳している部分もあった）、cuntはどうなるんだろうとか。ヴァギナのアメリカにおける多様な呼び方を列挙するシーンはどうするだろうとか（日本の地方に置き換えていた）。それから、「翻訳劇」では（皮肉なことにそれが現代ものであれば一層のこと）つきまといがちなのではと思われる、言葉は日本語だけどあきらかに「日本人」として見るには不自然な台詞をどう処理するのか、とか（基本的に放置でした。アメリカのものを日本語で日本人の俳優で見る、と言うスタンス）。最後に、文脈のレベルで、性をめぐっての文化的闘争の歴史にせよ、ある種のクリシェにせよ、それを完全に共有するわけではない日本でどうこのお芝居をやるのか、それを観客がどう受け止めるのか。そこらへんを見てみたかったわけなのだけれど。

結論から言っちゃうと、第一のレベルまでもたどり着かなかった（涙）。申し訳ないけれど、俳優さんに一人どうしようもなく下手な人がいて、「演技ができない」という段階ですらなく、台詞はかみまくるわ、いくら朗読劇だからって本当に「その場で読みあげる」ものだから文のつながりがアタマに入っていないと見えて、結果として聞いている方には文の意味すらつかめない箇所が多々見られるわ、声を張り上げはするものの一本調子だわで、かなりひどかった。大体、途中で自分が読んでいるところがわからなくなるっていうのは、プロの俳優さんとしてどうなのよ。観客のほうがいたたまれなかったわよ。残りの二人はまあまあ（一人は上手なときとやりすぎちゃうときと、波があったけど）だったので、彼女さえ違う俳優さんだったらもう少し楽しめたかもしれない。

「かも」というのは、同じく第一レベル以前の問題として、翻訳がちょっとひどい。もしかしたら、上述のような状態だったので、俳優さんが途中でわけがわからなくなって適当に喋っちゃっていた可能性も排除しきれないのだが、ところどころ日本語として明らかにおかしかったり、そうでなくてもあまりにも生硬だったり。上でもちょっと触れたけれども、原作ではおそらくvaginaの一語で統一していたはずのところを、最初はヴァジャイナといい（そもそもヴァジャイナってコトバをあてることもよくわからない。日本語読みにするとしたってヴァギナあるいはワギナではないのか）、それからヴァギナに変え、途中からは「膣」になるという具合で、何か意図があってのことなのかもしれないけれども、それがどういう意図なのか、ちょっと分からない。さらに、multiple orgasmを三重のオルガズムと訳すに至っては、全く意味が分からないじゃないかと。三重のオルガズムって何なのよ。

それから、やはり観客の反応は、悪い。これは観客が圧倒的に少ないためと、役者がぶぅぶぅなためと、翻訳がはぁ？なためと、それも確かにあるんだろうとは思う。でもそれだけではなくて、文脈の共有の度合いが、アメリカのお芝居をイギリスで見る場合と、同じものを日本で見る場合では、違うんだろうとも思う。ロンドン公演では（圧倒的に女性が多かったけれども）、このお芝居で、時には皮肉をこめて時には愛情をもって、微妙な距離感を保ちつつ言及されている、ウーマン・パワー的なフェミ意識やニューエイジ風の女性信奉というものを、生で通り抜けてきたであろう年齢の女性たちもいれば、そういうものに反発して（あるいはそれを踏襲して）生きてきたであろう次世代の女性たちもいれば、もっと若い、あからさまで憚ることのない性器への愛着があればそれだけでとりあえず喝采を叫ぶ世代もいる、という感じで、そういう多様な背景を持つ観客が、ヴァギナへの強いアタッチメントと、ヴァギナが問題になのよねという、それぞれの異なる経験に基づく、でも同じような認識とを、よくも悪くも、あるいは温度の違いこそあれ、共有していくという、そこが魅力だった気がする。それに対して、今日の公演では、そういう歴史の重なりにせよ問題の共有にせよが、ほとんど感じられないというのか、非常に希薄であるような印象を受けた。

で、これは観客が圧倒的に少ない結果であるもあるけれど、その原因でもあるのだろう。ロンドンでの観客はおそらく特別に取り立てて「フェミ」だと自分のことを考えている人メインではない。「普通」の観客がぞろぞろやって来ているから、観客が多い。それに対して、少なくとも今日の公演では、明らかに「フェミ系」の人の割合が高かったような気がする。それは裏をかえせば、ロンドンでは取り立てて「フェミ」ではない女性たちでも共有しているような歴史なり問題意識なりというのが、東京ではマイノリティである「フェミ」だけのものになっている（あるいはそこにおいてすらも共有されていないのかもしれない）ということだ。

別にロンドンがえらくて東京がだめだというわけではないんだけれども、ちょっと、ねえ。
もしかしたらそういう「人気のなさ」が、US公演ではがんがん有名人が出てくるけれど、例えばフジTVのアナウンサーなり人気俳優なりが東京公演ではほとんど出てこなくって、で、学生芝居（よりも多分下手）しかできない俳優さんの台詞かみまくりに付き合わされることになる。

そもそも脚本自体はフェミとは言いがたい、どころか、問題ありまくり。コソボの女性のエピソードで、思いっきり女性身体の蹂躙と＜郷土＞の蹂躙を重ねて語ってしまう、とか。２３の女性と１３の少女の間の性行為を（少女の口から）かなり幸福な体験として語らせてしまう、とか（いや、年齢差は当然として、１３歳相手でも本人が強制なしで経験を楽しんだとすればかまわないのではと私は思う。でも、例えばこれが３５のオトコ相手でもこういう語り方をさせたかと考えれば、女性同士なら「安全」あるいは「幸福」みたいな幻想が作用しているとしか思えない）。一番ひどいのは、最後の「トリ」で出産エピソードをもってきて、子供を産むからヴァギナ礼賛、みたいな雰囲気で終えてしまう。あれはないでしょう。

それでも日本に来るとフェミ芝居なんだろうなあ。それが一番鬱、4000円払って学生芝居の役者を見せられ、私より下手な翻訳（ってすごいことだわ、ほんと）に付き合わされたりしたことよりも、もっと、鬱。

イトー・ターリのパフォーマンス（Borderline Cases)

恵比寿のＡ．Ｒ．Ｔで行われたBorderline Cases
のオープニング・パフォーマンス（イトー・ターリと高橋芙美子による）を見てきた。

イトー・ターリの方は、二人の女性の対話音声と、人気のない夜の船上で動き踊る彼女のイメージとが使われ、それをバックに、真っ白なボブのウィッグをつけた彼女がパフォーマンスをする、というもの。何だかこれではわけが分からないけど。

対話音声は二種類あって、レズビアン女性との対話と在日の女性との対話、どちらも、マイノリティとして「実名を名乗る」ことの政治的あるいは心理的な、必要と困難とについて語っている。イトー・ターリはその前で、前半は、いくつかのガラス片を箱から取り出し、いらただしげにがちゃがちゃと音をたてて積みなおし、あるいはそれを覗き込んだり、あるいはそれを使って自分の身体を切り裂きたがっているかのような素振りをしたりして、後半になると、背後のスクリーン（この時点でそこに白い紙が貼ってあることがわかる）を少しずつ裂いていき、徐々にスクリーンの後ろに隠された鏡をあらわにしていく。最後は、その鏡に向かって（観客に背を向ける形で）口ひげを描き、白いウィッグをはずして、「男装」というのか、そういう状態になって観客に向き直って終わる。

「スクリーン上の自分のイメージを切り裂いて、鏡をあらわにしていく」という構成は、実名を名乗るということと明らかに対応している。自分の一部を映し出し、同時に自分を傷つける凶器にもなるガラス片から、そして、既に撮影された特定の自己イメージを映し出すスクリーンから、より大きなイメージを映し出してくれる鏡へと移行する過程は、一種のカムアウトの表象とも見える。
ただ、この「カムアウト」がどうしても括弧つきのものになってしまうのは、この鏡が、ガラス片よりは大きくなっているとは言ってもやはり部分的なものであり、そればかりか歪んだものでもあるからだし、何よりも、それが鏡である以上、あくまでも投影されたイメージであり続けるからだ。それは、「実名」あるいは「固有名」が、決して固有のものになりえないというジレンマに繋がっている。

イトー・ターリのパフォーマンスが、それにもかかわらず、ポジティブな、ほとんど「明るい」印象を残す理由の一つは、あらわにされた鏡が、ターリの全身をくまなく映し出すほどに大きくはなくても、観客を映し出す程度には大きいということだろう。歪んだ、部分的な、決して自己と完全には同一化しえない「実名」を映し出す鏡をそのまま観客に対して向けてみせることで、ターリは「実名のジレンマ」がある特定のポジショニングの故に不当に増幅されるという状況をすり抜け、ジレンマの不均等な分配を不可能にしようとしているかのようだ。

ラストにほとんど唐突に付け加えられる「男装」も、そう考えると明快に納得がいく。観客を「変化」の過程に付き合わせるこの「男装」の結果、ターリは、ある意味では、白いウィッグをつけていた時よりも、「自然」に見える。おそらくそれは洋服（白いシャツにネクタイ、そしてゆったりとしたパンツ）と髪型という二つのジェンダー・サインの整合性の幻想が回復するからなのだけれども、同時に、観客はそれが「自然」ではなくて、今まさに目の前で「身につけられた」ものであることを知っているし、そこからさかのぼって、白いウィッグをつけていたターリが「女装」していたに過ぎないことも、強烈に意識せざるを得ない。イトー・ターリはどちらにもいないし、どちらにもいる。そして、ターリという固有性をターリ自身が所有することができないというジレンマは、「変化」の過程を目撃することで、ターリという固有性を不当に領有することができないまま、その時々に選択されたターリのイメージの一端を受け入れざるを得ない観客の無力化へと、つまり、特権的な「見る者」「知る者」の位置の無効化へと、転化されることになる。この「男装」は、その意味で、私が今までに見たドラァグ・キング・パフォーマンスの中でも、もっとも効果的な「ドラァグ」だったと思う。

仕事が間に合わないので、高橋芙美子のパフォーマンスについては、また日をあらためて。